Для всех сфер искусства в России того времени было характерно проявление внимания к внутреннему миру человека. Художники и писатели стремились создавать своих персонажей, передавать их эмоции путем воззрения на мир глазами своих героев. Не обошло это новое веяние и скульптуру. В это время произошел полный отказ от пафоса, героизма и монументальности, которые в значительной мере были присущи скульптуре 19-го века. Ведущее место среди жанров занял портрет, что придавало скульптуре начала 20-го века больше интимности и камерности.

Искусство множества европейских стран на рубеже 18-го и 19-го веков приобрело новое течение, получившее название «модерн». Его основными чертами было обращение к природе, к ее многогранности и переменчивости. Это было обусловлено застоем научной мысли, отходу от использования механизированных объектов. Обращаясь к природной стихии, художники отходили от неестественной симметрии, от четкости линий, противопоставляя ей принципы «асимметрии и равенства масс». Архитектура модернистского периода отличалась тонкостью и плавностью линий, плавным перетеканием одной материи в другую. Орнаменты оснащали растительной тематикой и струящимися плавными линиями.

История советского граффити начинается где-то в период появления в стране брейк-данса годах в 80-х. Это не удивительно, потому что эти две культуры неразрывно связаны между собой. Первые граффити украшали сцену брейк-фестивалей. Для людей это было не менее потрясающим, чем само исполнение пируэтов танцорами. Одним из основоположников был Макс из Калининграда, который вспоминает, как был потрясен увидев фотографии разрисованных поездов метро и живое граффити в Риге. Это полностью изменило его жизнь и достаточно скоро на улицах Калининграда и Петербурга стали появляться рисунки. Спустя десять лет граффити добралось и до Москвы, но не в пример Риге и Питеру, долго там не приживалось.

Ознакомиться с данным видом искусства сегодня можно не на выставках и музеях, в современном Нью-Йорке жители наблюдают его на улицах и в переходах метро. В наши дни граффити активно покоряет и Москву. Граффитчиков можно условно разделить на две художественные категории: первые относятся к исполнению граффити, как к художественному самовыражению, вторые вкладывают в него различные идейный представления. Граффитчики испытывают истинное удовольствие придумывая особый шрифт для своих посланий, который будет понятен только для своих. Ведь граффити – искусство не для всех.

Сам термин «граффити» является определением запрещенного законом вида искусств. Это смешение текста с рисунком, содержащего определенный смысл, который зачастую отображается на стенах зданий, доступных для всеобщего обозрения. Само слово «граффити» произошло от греческого слова "graphein", что означает «писать». Граффити могут представлять собой простые монохромные сплетения рисунков и надписей, но зачастую это сложные мультицветные композиции. Авторы граффити называют себя писателями, не художниками, потому что это, прежде всего исторически сложившийся способ передачи словесной информации, а не рисунки, к тому же мало когда граффити выполняются красками.

Перов однозначно был патриархом московской школы живописи в 60-х годах 19-го века. На первой передвижной выставке картин в Москве среди жанровых работ, которые там экспонировались, «Охотники на привале» имели грандиозный успех. Главным в картине является изображение эмоций самих героев, вне каких-либо событий. По их лицам видно как они расслаблены и довольны, ведь бесспорно каждому из них уже есть чем похвастаться. Пожилой охотник травит байки, вкладывая в них все эмоции, сразу видно, что он сродни Мюнхгаузену преувеличивает происходящее. Второй – молодой охотник, который с горящими глазами слушает старого, сразу можно понять, что он ловит каждое слово и искренне верит рассказчику.

Наиболее известным произведением автора есть картина Утро в сосновом лесу. Ее замысел подсказал Шишкину Савицкий, но возможно толчком к написанию Утра являлась картина Шишкина Туман в сосновом лесу, которая с успехом экспонировалась в Москве на передвижной выставке. Эта картина подвигла Савицкого и Шишкина на создание сходного по мотиву пейзажа с включением сцены с резвящимися мишками. Савицкий изобразил на картине Шишкина медведей по эскизам самого автора. Мишки получились столь органичными, что Савицкий даже поставил подпись на картине наряду с Шишкиным.

Сегодня трудно представить себе русскую живопись без картин великого пейзажиста Ивана Шишкина. Во всех своих картинах он возвеличивал природу Руси, ее многообразие и величие. Бесспорно, можно стоять не один час у этого полотна, прислушиваясь к шепоту березовой листвы и шороху свежей травы. Шишкин всегда отличался тем, что не просто изображал на полотне красоту природы, а передавал ее видение глазами русского народа. Свой не иссякающий запас жизненных наблюдений он передавал в неторопливом, привольном и эпическом гимне красоте своей Родины.

По половицам своего, а теперь как будь-то чужого дома, осторожно ступает человек в каторжной одежде. Он словно боится напугать своих родных, которые его даже не ждали. Маленького сына, который видел как уводили отца, дочь, которая его может быть даже не помнит. Над образом каторжника Репин работал очень долго. Даже после того, как Третьяков купил картину, Репин нашел возможность и переписал лицо героя, сделав его старшим, ведь он знает, какими люди возвращаются с каторги. Можно отметить, что художник мастерски изобразил проблеск надежды и радости на лице каторжника.

Репин очень долго копил информацию о Бурлаках. Он специально ездил на Волгу и наблюдал, как грязные люди в обносках тянут барку, они были настолько вымотанными и уставшими, но в тоже время смотрели на разряженную толпу добрыми, улыбающимися глазами. Это настолько поразило его, что он, не спеша, черточку за черточкой, продумывал образ будущей картины. Три года Репин писал своих Бурлаков. Картина давалась ему не легко, пока он не нашел образ лидера, Канина.